Shout Out Louds - Impossible

Lo incorrecto según Depeche Mode Wrong es el primer sencillo del disco Sounds of the Universe.

Depeche Mode, la banda inglesa que en los 80 fue pionera en la utilización del sintetizador como instrumento musical, lanzará el próximo 20 de abril el álbum Sounds of the Universe.

El trabajo fue grabado en Nueva York y Santa Barbara bajo la producción de Ben Hiller, con quien ya habían trabajado en Playing the Angel, estrenado en el 2005.

De lo poco que se ha escuchado del trabajo musical, los expertos han dicho que es "ecléctico y energizante", y que por ello encantará a sus seguidores.

La canción Wrong fue estrenada mundialmente en el programa de televisión alemán Echo Awards el pasado 21 de febrero. Algunos medios europeos han publicado que aunque el video del tema no se ha estrenado ya ha causado polémica por las imágenes subidas de tono. Dicen que se observa la carrera desbocada de un coche y su impacto final.

Martin Gore, Dave Gahan y Andy 'Fletch' Fletcher -los integrantes de Depeche Mode- comenzarán Tour of the Unvierse el próximo 24 de julio en Toronto, Canadá.

Luego de recorrer 22 ciudades estadounidenses tocarán en el Arena 02 de Londres el 30 de mayo. En España finalizarán la gira europea y se dice que en octubre ofrecerán conciertos en Chile, Argentina y Brasil.

Formada en 1981, Depeche Mode es una de las bandas con mayor influencia en la era post-punk, pues han vendido más de 100 millones de unidades. Es una de las pocas que ha sobrevivido desde principios de la década de 1980 con sus ideales, visión creativa y miembros centrales intactos.

Sounds of the Universe contará con las siguientes canciones.

1. In Chains
2. Hole To Feed
3. Wrong
4. Fragile Tension
5. Little Soul
6. In Sympathy
7. Peace
8. Come Back
9. Spacewalker
10. Perfect
11. Miles Away / The Truth Is
12. Jezebel
13. Corrupt

*
Elespectador.com

SANTANA Y LA FANIA ALL STAR

El próximo 12 de Marzo, el Parque Simón Bolivar de Bogotá estará mucho más cerca de las estrellas, pues dos grandes leyendas se reunirán por primera vez en un unico y maravilloso concierto, donde se fusionará lo mejor de la musica de habla hispana. En vivo y con lo mejor de sus repertorios y trayectoria artística, el méxicano CARLOS SANTANA y el grupo de grandes integrantes de la salsa, LAS LEYENDAS DE LA FANIA, harán vibrar a los miles de asistentes que podrán disfrutar de una noche de ritmo, son y sabor.

Jueves 12 de marzo de 2009
Precios:
1ra etapa (de enero 31 a 16 de febrero):
VIP: $270.000*
Preferencia: $140.000*
General: $60.000*

2da etapa (de febrero 17 a marzo 12):
VIP: $290.000*
Preferencia: $160.000*
General: $70.000*

*No incluye costo de servicio Tu boleta.

Edad minima para ingresar: 14 años.
Apertura de puertas: 3:00pm
Primer artista en el escenario: 5:00pm
Artista principal en el escenario: 8:00pm

Consigue los productos Oficiales de este Artista, en los puntos de Venta de Tu Boleta. Sepáralos antes que se agoten por medio de los Bonos LEECHI, no esperes a la venta final en el Concierto.

El show comenzará con la participación de LAS LEYENDAS DE LA FANIA, quienes tienen preparado un espectáculo sin precedentes en el que se revivirán sus mejores canciones con los exitos que han tocado la vida de varias generaciones. Tras 15 años de ausencia en la Capital colombiana, Willie Colon, Cheo Feliciano, Ismael Miranda, Richie Rey y Bobby Cruz entre otras figuras, deleitarán con sus temas más reconocidos en una función que tendrá muchas sorpresas.

Por su parte, el guitarrista latino más grande de todos los tiempos, el mexicano CARLOS SANTANA, presentará al lado de su banda una recopilación con lo mejor de su discografía, la cual abarca más de cuatro décadas. El músico que no venía a Colombia desde el año 96, hará un alto en su gira Live Your Light Tour 2009, para entregarle al público bogotano sus interpretaciones más inolvidables, con el virtuosismo que siempre lo ha caracterizado.Definitivamente con CARLOS SANTANA y LAS LEYENDAS DE LA FANIA, el plato fuerte de este concierto será el sabor latino y el encanto de las melodías que han trascendido en nuestras memorias por varios años. ¡Un show nunca antes visto en Colombia!

*Sobre CARLOS SANTANA: 4 décadas de punteos y sabor latino
Nacido en Jalisco en 1947, Santana heredó su gusto por la música de su padre, un reconocido mariachi violinista. De niño, se mudó a Tijuana y ahí descubrió su pasión por la guitarra al escuchar a los grandes del blues como John Lee Hooker, T Bone Walker y B.B King.

A los 14 años se muda a San Francisco y cobijado por el movimiento psicodélico crea en 1966 la Santana Blues Band, iniciando así su legado: la mezcla del Blues y el Rock con la música latina.Tres años después Woodstock vería nacer una estrella. Ese mismo año presenta su primer disco llamado “Santana” y al año siguiente “Abraxas”, catapultándolo a la fama mundial con ventas multimillonarias.

Sus últimos trabajos discográficos: Supernatural (15 millones de copias), Shaman y All That I am, han posicionado a Santana nuevamente en la cima del éxito mundial. Multi Dimensional Warrior lanzado en 2008, es su más reciente disco y es el motivo de esta gira.

*Sobre LA FANIA ALL STARS: Fania All-Stars es un grupo de música latina formado en Nueva York en 1968 por los artistas más conocidos del sello Fania Records a menudo aumentados por estrellas invitadas procedentes de otros sellos de música latina y de otros estilos. Aunque el sello fue vendido en 1997, la banda sigue reuniéndose periódicamente para realizar distintas giras.

El director artístico de la mayoría de las grabaciones de Fania All-Stars es Johny Pacheco, fundador, junto con Jerry Masucci. En 1968 Pacheco inventó una “Súperbanda” llamada Fania All-Stars que agrupó a la élite de los músicos y cantantes de salsa para ejecuciones y grabaciones de grupo. En las filas de este súper-grupo han militado algunos de los más importantes músicos de salsa y jazz latino de los últimos cuarenta años.

Tomado de TUBOLETA

The Offspring - You're Gonna Go Far, Kid

Johnny Cash

Johnny Cash, nacido John Ray Cash (26 de febrero de 1932 - 12 de septiembre de 2003) fue un cantautor estadounidense de country, gospel, rock and roll y rockabilly. Fue uno de los máximos representantes de la música country, aunque creó su propio subgénero musical.

Cash fue conocido por su profunda voz, por el característico sonido boom-chick-a-boom de su banda de acompañamiento, los Tennessee Three y, por vestir ropa oscura, lo que le valió el apodo de «El Hombre de Negro» («The Man in Black»). Empezaba todos sus conciertos con la sencilla frase: «Hola, soy Johnny Cash» («Hello, I’m Johnny Cash»).

Muchas de las canciones de Cash, como en «I walk the line», «Folsom Prison Blues», «Ring of Fire» o «Man in Black», tratan de temas como la pena, la culpa, tribulaciones morales y redención, una tendencia que se acentuó en la última etapa de su carrera. También compuso canciones humorísticas (como «One piece at a time», «The one on the right is on the left» o «A boy named Sue»), llenas de vitalidad («Get rhythm») o con otras temáticas típicas del country, como el ferrocarril («The Rock Island line»).

Vendió cerca de noventa millones de álbumes en sus casi cincuenta años de carrera. Es presentado habitualmente como uno de los músicos más importantes en la historia de la música country. Es uno de los tres únicos músicos que han sido admitidos en más de un «Salón de la Fama»: en el Salón de la Fama del Rock, del Country y de Compositores de Nashville.

Desde sus primeros años como pionero del rockabilly y el rock and roll en los años 50, en las décadas en las que fue un representante internacional de la música country y hasta su resurgimiento como icono del country alternativo en los años 90, Cash ha influenciado a incontables artistas y ha sido reverenciado por los más grandes músicos populares de la historia.

Cash ha sido muy valorado incluso por artistas lejanos a su género musical. Como se puede leer en las notas de Unearthed, Bob Johnston (productor y amigo de Cash) contaba como, hablando con un grupo de rap éstos le declaraban «el padrino del Gangsta rap», ya que habían crecido escuchando cómo Johnny Cash cantaba «maté a un hombre en Reno simplemente por verle morir». En su álbum Ego Trippin’, Snoop Dogg dedica su canción «My Medicine» a Johnny Cash, a real American gangsta. La banda de punk rock Social Distortion cierra sus conciertos interpretando Ring Of Fire, la cual aparece en su disco Social Distortion.

Cash apadrinó y defendió a artistas de las críticas sobre lo que era o no aceptable en el country, incluso en las épocas en las que él era uno de los símbolos más visibles del establishment country. En 1999 se le ofreció un concierto-tributo en el que tocaron artistas de la talla de Bob Dylan, Chris Isaak, Wyclef Jean, Norah Jones, Kris Kristofferson, Willie Nelson o U2.

Justo después de su muerte fueron editados dos álbumes-tributo; Kindred Spirits y Dressed In Black. En el primero participaron músicos con cierto prestigio, mientras que el segundo era de artistas menos conocidos.


Sitio oficial: http://www.johnnycash.com/

Blondie

Biografía
Blondie emergió de la escena underground de Nueva York de fines de los 70, y logró hacer realmente masivo el sonido que provenía del punk, encabezando la movida más estilizada de esa vertiente que la prensa llamaría new wave.

La banda encontró una indeleble marca registrada en la imagen y actitud de su cantante, la magnética Debbie Harry y a nivel musical se permitió coquetear con gracia entre distintos ritmos como el punk, el glam rock, el sonido de grupos de los 60 como The Ronettes, y la música disco. Blondie dejó un par de discos fundamentales y una catarata de hits hoy clásicos, como EscucharHeart of Glass, EscucharCall Me, EscucharOne Way or Another, EscucharPicture This, EscucharDenis, The Tide Is High, EscucharHanging on the Telephone y EscucharAtomic.

Cuando se presentó por primera vez en 1976 desconcertó a la audicencia del legendario CBGB de Nueva York, el mismo club alternativo en el cual los Talking Heads tenían su centro de operaciones, Patti Smith cantaba su poesía sediciosa y Los Ramones e Iggy Pop se sentían como en casa. El impacto de Blondie en aquella escena fue inmediato, por lo accesible de sus canciones y por la voz y el aire de diva distante de Debbie Harry.

Harry no era adolescente; rondaba los treinta, tenía el pelo de un rubio casi blanco con flequillo y su actitud estaba a medio camino entre una lolita naif y una experimentada chica Playboy -de hecho Debbie había sido una de las famosas conejitas, aunque por poco tiempo-. Cuando Blondie cobró notoriedad, las chicas lindas y femeninas al frente de un grupo aún eran una rareza: Madonna ni siquiera había asomado en la escena pop, pero años más tarde reinventaría bastantes elementos del look de Debbie Harry. Basta con mirar los videos de Blondie para notar que desde Courtney Love, Peaches y Gwen Stefani le deben el mérito de haber dado vuelta el patrón estético conocido hasta el momento.

El primer LP de la banda comandada por Harry y su pareja Chris Stein inauguraba una seguidilla de cinco discos en cinco años consecutivos. Blondie, Plastic letters, Parallel lines, Eat to the beat, y Autoamerican (1980), el más ecléctico de su carrera, conforman el pico creativo de Blondie.

The Hunter (1982) sería el final forzado de Blondie; Chris Stein, tuvo que abandonarlo todo por una extraña enfermedad en la piel. Debbie Harry se quedó a su lado. Finalmente Stein se repuso, pero para ese momento la escena musical había cambiado demasiado: el reinado absoluto era del pop, Madonna era la nueva soberana y había arrasado con el lugar vacante. Blondie quedó en el olvido, o mejor dicho en la memoria.

En 1999, después de casi 17 años, Stein llamó a los ex Blondie. ¿El resultado? No Exit, esperado regreso de una banda ya madura que llegó con un nuevo hit bajo el brazo: “María”. Desde entonces Blondie no paró de realizar giras. A fin del 2004 pasaron por América Latina con el flamante The Curse of Blondie, un octavo disco que treinta años después los muestra en plena forma.

En escena Blondie luce como una banda aggiornada, elegante y divertida. Como si no hubieran pasado los años.

Deborah Harry | Debbie Harry | Cantante
Chris Stein Guitarrista
Clem Burke Baterista
Frank Infante Bajista
Jimmy Destri Tecladista
Nigel Harrison Bajista
Gary Valentine Bajista


www.blondie.net

Animal Collective

Biografía
Procedentes de Baltimore, Animal Collective se han convertido en una de las pocas bandas que ejemplifican a la perfección lo que debería ser la música del siglo XXI; una constante evolución en el sonido buscando abrir nuevos caminos a partir de la experimentación pero sin dejar atrás el aliento de las melodías pop.

La banda sólo tiene dos miembros fijos: David Portner (Avey Tare) y Noah Lennox (Panda Bear). Ellos son los únicos que han participado en todos los álbumes del grupo. Las otras dos patas del colectivo animal son Brian Weitz (Geologist) y Josh Dibb (Deakin), aunque su participación es intermitente.

En el año 2000 sale a la luz el álbum “Spirit They’re Gone, Spirit They’ve Vanished”. Estuvo acreditado por aquel entonces a Avey y a Panda, por lo que no es un álbum propiamente dicho del colectivo. En él, se empiezan a atisbar cuáles son las intenciones de la banda. Canciones que reinventan la psicodelia y que reciben una gran influencia del ruidismo experimental. Es un álbum pop y casi lo fi que esconde algunas de sus mejores canciones (como Chocolate Girl, recuperada y reinventada recientemente en sus actuaciones).

El siguiente paso del colectivo fue reclutar a Geologist entre sus filas y comenzar a experimentar más aún con la melodía. Así, lanzan “Danse Manatee” en el 2001 (aún sin ser acreditado a Animal Collective). Es un álbum abstracto y en el que comienzan a buscar su sonido. Grandes dosis de experimentación rodean las “canciones” de este disco. Tras este lanzamiento, emprendieron una gira que tuvo como consecuencia la edición del álbum en directo “Hollinndagain” en el 2002 (de tirada limitada, posteriormente fue reeditado en el año 2006), con temas que siguen el camino emprendido en “Danse Manatee”.

En el año 2003 llegan dos obras nuevas del colectivo. En el primero, se esconden bajo el alias de Campfire Songs grabando un disco homónimo. Es un álbum lo fi con toques folk y de caracter abstracto. Se encuentra actualmente descatalogado.

Después llega “Here Comes the Indian” (ya con Deakin), el primer álbum facturado con el nombre de Animal Collective y editado por un sello de creación propia: Paw Tracks. Siguiendo los pasos de su predecesor, continúan experimentado con el sonido aunque ya se atisba una mayor concreción en temas como Hey Light o la magnífica Slippi.

El primer gran salto en la carrera de la banda llega en el 2004 con “Sung Tongs”. Toda la experimentación anterior continúa en este disco, pero de una manera más “ordenada”. Podría decirse que es el álbum folk de Animal Collective. Con esta obra, comenzaron a llamar la atención del público y de la crítica (que los etiquetó como freak folk). “Sung Tongs” contiene algunos clásicos de la banda como Leaf House, Who Could Win a Rabbit o We Tigers, entre otras maravillas como Winters Love. En el 2004 también editaron un split llamado “Wastered” junto a sus amigos de Black Dice. Tras este split y siguiendo con el estilo folk, editan en el 2005 el “Prospect Hummer EP” junto a la cantautora de culto Vashti Bunyan.

La evolución continuó, y dio lugar a “Feels” en ese mismo 2005. Es un álbum que contiene los logros de “Sung Tongs” pero que va un paso más allá. Dejan un poco de lado el folk y se adentran en los terrenos de la psicodelia noise recordando los mejores momentos de los Mercury Rev de Dave Baker. Animal Collective siguieron creciendo en popularidad con este álbum y la crítica se mostraba casi unánime al asegurar que eran una de las experiencias sonoras más excitantes de los últimos años. Tras “Feels” editan “People EP” en el 2006, con canciones extraídas de las sesiones de grabación de su último álbum.

Ese año 2006 fue un período de descanso para el colectivo, aunque ese receso fue relativo ya que Avey y Panda estaban preparando sus proyectos en solitario que cristalizarían en el año 2007. Avey editó junto a Kría Brekkan (ex-múm) el álbum “Pullhair Rubeye” (y su versión reversed) y Panda Bear editó su “Person Pitch”.

El 2007 fue un año de mucha productividad para Animal Collective. Ficharon por Domino, uno de los sellos más importantes del mundo y lanzarían el álbum que los sitúa en el radar de la inmensa minoría: “Strawberry Jam”. Su álbum más pop y accesible, aunque sin perder nunca de vista ese toque que los hace tan especiales. Prescienden casi totalmente de los instrumentos orgánicos, construyendo el álbum a partir de samples creados por la misma banda. Tras la grabación del álbum, comenzaron una exitosa gira sin la presencia de Deakin, que se encuentra temporalmente fuera del grupo por razones personales. Además, en el 2008 lanzaron “Water Curses EP”, con canciones extraídas de las sesiones de grabación de “Strawberry Jam”.

Durante la gira, presentaron la mayoría de las canciones que componen su siguiente álbum: “Merriweather Post Pavilion”, su disco más esperado. Finalmente, y tras una larga espera por parte de los fans , el álbum aparece en internet el día de navidad del 2008 (anticipándose a su salida en formato físico, en enero del 2009). «Merriweather Post Pavilion» es la secuela lógica de «Strawberry Jam» y de «Person Pitch». El disco funciona como una unidad gracias a su sonido acuoso y a una producción detallista y pulida al máximo. Así, el colectivo deja atrás los pasajes más esquizofrénicos y áridos de su trayectoria y alcanzan el objetivo que llevan buscando desde su primer disco (aquel lejano “Spirit They’re Gone, Spirit They’ve Vanished”): la reinvención de la música pop.

A pesar de la reciente publicación de su nuevo álbum, Animal Collective ya están buscando nuevos caminos y se encuentran inmersos en la producción de una obra audiovisual junto a su amigo Danny Perez (director del vídeo de Who Could Win a Rabbit). Además, Panda Bear está comenzando a dar los primeros pasos para grabar lo que será el sucesor de “Person Pitch”.